编舞要从哪里着手

编舞要从哪里着手

　　1、感情是动作的信息：编舞首先要弄清的是你要表现人物的什么感情和性格，有经验的编导往往首先按舞蹈结构的线索设计出人物连绵不断的心情、意识甚至潜台词，循者这个脉络去雕琢动作。而富有演员经验的编导，就使自己首先进入角色，让作品中的人物在自己的身上活起来。在深入角色的基础上，从自己积累的生活舞蹈素材中物色、提炼出此时此地，此情此景所需要的舞蹈形象来。即把体验感情作为动作的原动力。

　　2、动作的典型性：这是成功之要点。典型的舞蹈动作不是综合的越宽越好，而是个性越强越好——一要有突出的性格，二要有明晰的感情。人有七情：喜怒哀惧爱恶欲......设计舞蹈动作首先要说清楚什么是感情。但人有男女老少，古代和现代，这个民族和那个民族之分，他们表达的感情各异，因此动作还要性格分明。性格包括角色的个性及其民族的风采。

　　3、舞蹈的“意境”：舞蹈的动作不在“繁”与“简”，能突出“意境”则灵。舞蹈作品的“意境”是把主题思想转化为“诗情画意”的艺术构思，是“情”和“意”与“景”和“境”的统一，是人的理想。“意境”是大局，编舞要从大局着眼，小处(动作)着手，围绕着动作去考虑动作。

　　4、舞蹈的主题动作：2人以上几点着眼，首先设计出符合作品中人物(或拟人化)形象的基础动作来——也有人称主题动作——即塑造作品舞蹈形象的代表性动作，这种做法在民间舞蹈中是常见的。各地区的民族民间舞蹈跳起来有千变万化，但总离不开那么几个最有代表性的动作。它们成为舞蹈作品中“舞蹈语言”(动作组合)的基础和反复出现的贯穿动作。

　　动作组合要编排得生动、流畅、感人。应注意：

　　A、要有对比性的变化：对比有时间(节奏)上的快与慢，强与弱，延长与短暂等;有空间(造型)上的大与小，高与矮，方(线条凌厉，有棱有角)与圆(柔和，圆润)，放(伸)与收(缩)，动与静等。这些对比变化不应是形式上的安排，而是人物内心情感上的促使。如生活中的情绪......舞蹈动作的变化也是由此而来。对比性的动作加大了情绪变化的起伏，使各种情感在相对中显得更鲜明、突出，所以，能使舞蹈语言更生动。

　　B、必要的重复、再现：舞蹈和音乐同属时间性的艺术，舞蹈虽然还只有空间的形象，但不能象“雕塑”那样永远静止在那儿尽人观赏。为了使舞蹈形象和“意境”留在观众心上，重复、再现手法同样是不可少的。其做法可有多样：

　　(1)主题动作贯穿始终。

　　(2)主题动作在不同的情节、段落，不同的节奏下变换出现。

　　(3)主要的舞蹈组合(段落)反复出现。

　　(4)开头和结尾是同样的舞蹈处理或“意境”的再现。

　　(5)动作“元素”——在后。

　　5、构图：构图是编舞中一个重要组成因素。构图包括舞台调度和画面。构图是随着登场人物的行为和感情发展而设计的。没什么固定的“程式”。关键是要通过队行图案的变化把舞台衬托成作品所需要的空间、境界。

　　对于舞台的构图，我国传统审美习惯是“均衡”、“匀称”。“均衡”就是常说的“不要偏台”。均衡的构图有两种，一种是对称均衡，一种是不对称的均衡。“匀称”是指构图上不要有死角或多一块、少一截等感觉。有时也需要不均衡的场面，那是由于强烈的剧情冲突的需要，而造成一种高度惊恐不安的气氛。

　　不同的构图会给观众留下不同的直感：圆形使人感觉丰满;方形显得严肃、整齐(但极少用);而三角形介于两者之间，较灵活，易组成多种图形的小单位;弧形有纵深的感觉;纵队有逼近、压迫的感觉;横排——平和;斜排——前程远大。

　　在舞台调度上：走直线显得距离近，路途短;走曲线显得距离较远，路途长;走“8”字，距离无限，可以从早走到晚;左右横过，表示眼前发生的事物;自后向前，可造成由远而近的感觉;“V”字向前，有冲击、压力之感;多人“龙摆尾”的队形，能显示人群由远而近、由少聚多的情景;几列直排的纵横交*，能增加要渲染的某种气氛——无论是紧张的、火热的、战斗式的;由密集到扩散的队形，能造成一种占领空间的势头;大收大放可造成气势、力不可挡的强烈气氛;忽前、忽后、忽左、忽右的连续调度，给人以动荡不安、瞬息万变之感，可表示风浪中行船、心潮起伏的幻觉、激烈的战斗等等......

　　需要说明的是，舞蹈的构图不能孤立的设计，必须和舞蹈动作组合结合起来，且与服装、道具也是分不开的。

　　6、选择演员排练舞蹈：选择演员时必须考虑

　　(1)是否能担负起塑造角色所必须的舞蹈技能和技巧。

　　(2)是否吻合或接近角色的身份，性格和外形，

　　(3)符合节目体裁对演员所要求的特色，如：演员是喜剧型的或是悲剧型的，是抒情的还是武打型的等等。

　　确定了演员以后，编导要向演员解剖作品的主题、内容、人物、情节、场次(段落)、图景，使演员对作品有一个明确的、完整的概念。再进一步分析角色，明确演员的任务后，熟悉舞曲，然后一个个的教动作，一段段的排练(用钢琴或简单的乐器伴奏)，直到将全舞完成。

　　A、排练：可先粗排(即搭架子)，或试几个主要段落。

　　B、让作曲者进入排练厅看排练。

　　C、当排练中演员进入角色后，他(她)们的体验、创造是很宝贵的，要启发运用演员的智慧去进行再创造。一旦演员有了新的创造(包括动作、表情等)，要充分肯定，并根据情况适当修改原设计。

　　D、根据演员的技术条件，扬长避短，随时设计出能使演员的技巧有充分的使用之地的舞蹈段落。

　　7、合乐：

　　8、舞台合成：把排练厅中的作品搬上舞台是“合成”的阶段。合成之前，编导必须向舞台工作的各方面人员——布景、灯光、服饰、道具、音响效果等，介绍作品内容并提出设计要求，最后确定方案。

　　(1)舞蹈布景要说明作品的时代，创造特定的环境。布景应简练、明确，一般不用或少用戏剧那样的实景。

　　(2)舞台的灯光要显示舞蹈的时间早晚，天气变化，吉祥和厄运的预兆，人物内心的渲染等。

　　(3)服饰帮助表明人物身份，民族的属性，服饰色彩还能突出人物性格。要求轻便而合体，美观而有特色，夸张而不失真。

　　合成包括：走台、走光、化妆连排、彩排。

　　A、走台：是舞台上的场、景和舞蹈的结合实验。让演员熟悉舞台面和置景的地位，要从头至尾把舞蹈的调度、队形、画面的位置都固定下来。同时，检查场景与舞蹈的构图是否协调。

　　舞台平面图的九个表演区：

　　B、走光：是灯光设计与舞蹈的实验。要随着舞蹈内容的展现和演员的调度把灯光固定下来。

　　C、化妆连排和彩排：都是属于总合成(包括乐队、演员、布置、灯光、服装、化妆、道具、音响效果等)的排练。编导指导化妆连排时，可以随时停下来，协调舞台个方面的配合，一段段、一场场的进行，当“合成”完成以后，进行彩排时就要一气呵成，以便检查、发现问题，再作进一步的调整。至此，一个舞台演出的舞蹈作品诞生了。